Manuela Álvarez
Oh My Heart, de Manuela Álvarez, es una colección que habla acerca del duelo, la resiliencia humana y la permanencia. MAZ nos cuenta cómo se siente el ser atravesado por la vida por medio de cuatro momentos cromáticos que componen su desfile inaugural para Colombiamoda 2026.
1. Violencia del duelo
La violencia del duelo o el momento negro se refiere al espacio emocional en donde se es más violento con uno mismo. Hay una batalla interna que se transmite por medio de cuero termoformado con sensación de picos, textiles de estrías o chaquetones que se acercan a las armaduras y capas de prenda sobre prenda que nos recuerda que el cuerpo sigue en estado de alerta.
2. Herida y apertura
El rojo en la colección significa la presencia de una herida innegable. Aquí la diseñadora se adentra en la sensación de los extremos, estructura vs. desestructura o hilado vs. deshilado, y presenta una investigación textil que, en unión con la Universidad de los Andes, la llevó a elaborar un bio-dye, producto del uso de una bacteria que le permitió llegar a este tono rojizo en algunas de las prendas del show, sin el uso de químicos industriales tradicionales.
3. Aceptación y respiro
En este momento cromático, Álvarez habla del oxígeno, de la importancia de estar presente y de la respiración en consciencia, de lo que pasa cuando entra el aire, se tejen las heridas y surgen las cicatrices. Elementos que en la colección ella representa a manera de trenzas y nudos.
4. Retorno a lo divino
En este segmento se hace homenaje a la resiliencia y la alineación con lo divino. Para el último momento del show aparece un traje entero con la investigación del ADN representativo de la marca, la idea del costillar y la anatomía humana, como cierre total a este trayecto pasional y crudo en donde el relato del duelo cobra vida propia.
El paisaje sonoro es una composición original de Camilo Vargas en colaboración con la Filarmónica de Medellín y la intervención del coro infantil femenino cantando Oh My Heart para finalizar el show. Oh My Heart es una entrega performática de un lenguaje universal. Es la materialización del sentimiento desde la vulnerabilidad, puesto al servicio de la creatividad. Es por esto que entre el público queda una última señal dejada por la diseñadora, una silla en primera fila que lee ‘Estoy aquí y soy mi propio testigo’, como recordatorio profundo, silencioso, de que no necesitamos nadie más que nosotros mismos para crear.
Alado
Inspirados en la identidad de nuestra herencia cafetera, Alado creó una colección que cuenta la historia de uno de los oficios más representativos e importantes de nuestro país, vista desde la perspectiva femenina. La investigación a profundidad de la identidad y ponerse en ejercicio de escucha llevaron a Alado a integrar diversos códigos estéticos y teóricos que reflexionan sobre la caficultura, lo poco que realmente conocemos sobre este oficio y el rol tan representativo que juega la mujer dentro del mismo.
La investigación textil de la colección es fascinante. Se desarrolló un tinte orgánico a base de café como una respuesta creativa desde lo técnico a materializar un recorrido. Se hizo un estudio del textil de poncho cafetero y cómo en su deconstrucción existen oportunidades creativas. La importancia de los colores en la colección parte de una respuesta técnica desde el oficio, en donde en el momento de la recolección las mujeres se pintan las uñas del tono de rojo exacto que representa un grano perfectamente maduro y de esa recolección instintiva es que se garantiza el éxito de un buen café.
El paisaje sonoro se diseña desde el territorio y el cómo se siente un día de recolección. El traje tradicional desde la óptica de Alado habla del concepto de la capa sobre capa y en una primera parte refleja eso. Los accesorios buscaban representar la memoria visual a través de la literalidad del recorrido cafetero y sus símbolos. Hay casitas campesinas en distintas técnicas y la atención al detalle que nace a partir de la investigación del entorno a profundidad. El estilismo también responde a eso, el uso de capas sobre capas como una práctica del campo. Sombreros y pañuelos como protectores para la jornada de cada día.
Juan Pablo Socarrás
Matilde es la última colección de Juan Pablo Socarrás en el marco de Colombiamoda 2026. En su continua búsqueda de la identidad a través del oficio, Juan Pablo Socarrás emprende un viaje por toda Latinoamérica junto a la marca Bata, en donde región a región, saber tras saber, narra la historia creativa de Matilde Díaz Hernández y cómo su voz influyó sobre una liberación femenina que para la época era desconocida. ‘El día que yo me sentí más orgulloso de ser local, me volví más global’, afirma Juan Pablo al hablar de lo que quisiera que sintieran las asistentes al ver la colección. Un recuento maravilloso, hilado en diferentes siluetas y experimentación artesanal, componen la colección que hoy abrió la jornada de desfiles del día.
La investigación de cada uno de estos saberes parte de la profundidad colombiana, pero se extiende por México, Guatemala, Perú, Brasil, Chile y Puerto Rico. Un recorrido de identidad que se aprecia en cada look que caminó hoy bajo el sol de la región antioqueña. La orquídea, como uno de los hilos conductores de la colección, se puede encontrar en diferentes looks, interpretada por cada oficio artesanal en un formato diferente. La representación de la cumbia, las polleras y la cadencia de cada uno de estos movimientos forman parte de nuestros sentires más profundos. Dentro de los materiales que usó el diseñador para la colección destaca la vicuña, alpaca, paños en 100 % algodón, pero lo más interesante fue el uso de manteles tinturados en tono cholapin.
La Petite Mort
La intimidad del hogar como lenguaje fue el punto de partida para Puertas adentro, la última colección de La Petite Mort en el marco de Colombiamoda 2026. El recorrido creativo del dúo consentido de Colombia inició con Benjamín de la Calle, una visita a sus archivos y con ella la importancia del retrato y la intimidad del hogar como lenguaje. Abordar la intimidad desde el álbum fotográfico fue el lineamiento bajo el cual surgió la columna vertebral de Puertas adentro, una colección que recoge la narrativa visual y estética de la identidad colombiana desde su profundidad, desde el rango maravilloso de su archivo. La colección es un viaje por el interior de una casa colombiana, los espacios y rituales que hacen de esa casa algo propio.
El álbum fotográfico es la memoria viva de una casa que existió, pero que hoy no es igual. La importancia de los actos que componen el día a día, el ritual de sentarse a comer, cocinar, preparar la casa para una visita, la dinámica del patio o la intimidad de la habitación. Piezas que son un guiño a esos espacios, las cortinas, el mantel, las servilletas, formas redondeadas que se comunican con el comedor hacen parte de las abstracciones de cada una de las prendas.
El material raya tiza como un hilo conductor de esa importancia del traje y experimentación textil de cintas en sastrería hacen de esta colección una exquisita recolección de memorias que apelan a la nostalgia y la validez del hogar de quien las mira. La paleta de color responde a la retórica del retrato clásico y la foto a blanco y negro. El estilismo está inspirado en servilletas y manteles y el peinado de las modelos surge del álbum familiar de Jonathan, específicamente tomado de su abuela y cómo ella se mandaba a peinar. Una colección que desde la particularidad nos invita a navegar en la intimidad de la esencia, de los ritos de la cotidianidad y cómo día a día desde las esquinas se nutre y forma nuestra identidad.
Undergold
Act 1: Life Is an Act of Faith
Bajo el concepto de brutalismo espiritual, Undergold presentó su colección dándole cierre oficial a la semana de la moda de Colombia. En una conversación con Simón B. Correa, el director creativo de Undergold, profundizamos sobre los mensajes detrás de su nueva colección, su fuente de inspiración y algunos de los referentes que integraron su proceso creativo. Life Is an Act of Faith es la representación de la espiritualidad en el contexto actual. Los rosarios, las iglesias, la arquitectura fueron algunos de los puntos por donde Simón encontró el camino de partida para transportarnos al universo Undergold e invitarnos a contemplar de la misma manera las prendas que componen su última colección.
Atención al detalle, mayor mano de obra y una ambición de refinar las piezas hacen parte de algunos de los componentes de esta propuesta urbana que se ha convertido en un lenguaje propio del streetwear local. Códigos traídos del motocross, un pantalón con cola de arrastre y una paleta de color metálica hacen parte de la misma. La colaboración artística desde la integración gráfica, la marroquinería y el paisaje sonoro son algunos de los highlights de este cierre monumental que congregó a más de mil personas en el Parque de las Luces de la ciudad.
En la investigación gráfica y textil se encuentra una colaboración con artistas del tatuaje y grafiti que hacen parte de las prendas y que fueron los responsables del performance en vivo, inspirado en el amor de Simón por Alexander McQueen y sus prácticas creativas únicas. La colección también se estrena en marroquinería, siendo la primera vez que presenta carteras y cinturones, y en la lavandería del denim se busca replicar el asfalto orgánico, la sensación de cuando la naturaleza se come la ciudad. El verdadero arte es entender que siempre y cuando exista el espacio para la cultura en nuestras vidas, la luz siempre brillará para todos.
Por: Ana Beliza.
